Un ritorno inatteso, a dir poco. I China Sky sono una band da conoscitori dell’AOR nordamericano dei Big 80s, uno di quei moniker da tirare fuori con aria sussiegosa per stupire i novellini con il proprio livello di cultura musicale. Li pensavamo non solo definitivamente archiviati, ma anche finiti nell’oblio delle lost gems. Invece, pare che l’interesse del popolo dell’AOR per la band sia stato tanto alto da spingere un paio di superstiti della line up originale a tornare ad incidere con i vecchio moniker. Ma tutto questo interesse è poi davvero giustificato? Il primo album omonimo della band era effettivamente una impeccabile operina d’arte del genere AOR hard edged a cui si poteva rimproverare solo una certa mancanza di personalità, dato che il songwriting, pur efficace, rimaneva strettamente nei limiti dell’ortodossia melodica di fine anni ’80, con costanti riferimenti a Night Ranger, Autograph, B. Adams, Journey, Surgin’, anche se la eccellente produzione di Karl Richardson (Bee Gees) e Frank Wildhorn (anche principale responsabile del songwriting assieme ad un ancora poco noto Bob Marlette) riusciva ad amalgamare tutti questi spunti eterogenei in un sound organico, senza “stacchi” stilistici troppo evidenti fra una canzone e l’altra. Buone critiche ed un discreto airplay sembravano in grado di far spiccare la band tra l’agguerritissima concorrenza, ma per motivi mai chiariti i China Sky si sciolsero appena un mese e mezzo dopo l’uscita di quello che pareva destinato a rimanere la loro unica testimonianza discografica. Dopo più di un quarto di secolo, questo ‘II’ fa (ovviamente?) a meno di produttori e songwriters esterni alla band e allora non c’è troppo da meravigliarsi se i punti di contatto con l’esordio sono ridotti ai minimi termini.

L’inizio non è dei migliori: “One Life” si rivela un hard melodico insignificante ma il livello sale prontamente grazie al suggestivo crescendo di “The Road Not Taken”, e anche “You’re Not The One” risulta gradevole, Journey con buon gusto, segnata da un bell’impasto chitarre/tastiere. “I Believe In You” torna all’opaco, un altro hard melodico scontato e troppo elementare, ma “I Wish I Could Fly” è di tutt’altra pasta: comincia acustica, in un bel clima drammatico, poi esplode elettrica alla maniera di Bryan Adams. “Enemy” torna in territorio Journey, pollice verso per “I’m a Survivor”, metallica e potente, ma qui il cantante arranca e melodia e riff sono davvero banali. Carina “The Richest Man In The World”, classica ballad westcoast che precede “You’ll Get Yours”, melodic rock cadenzato che ricorda vagamente gli Headpins. “The Darkness” è metallica, californiana, ben riuscita grazie anche agli interventi di keys che vivacizzano l’arrangiamento. Il meglio sta negli ultimi due pezzi in scaletta: “Give It Up” è fatta di bei chiaroscuri, alternando atmosfera a momenti molto elettrici e con belle parti di tastiere; “Dreams I’ll Never See ” fa tanto anni ’70, con la sua scansione ritmica sinuosa, il basso in evidenza, le ombre funky, l’Hammond e la chitarra col wah wah.

Insomma, un album a corrente alternata, ma il bilancio è comunque positivo: consigliato.

È singolare che nel campo dell’AOR e del melodic rock in genere, il contributo britannico sia stato nello stesso tempo fondamentale e marginale. Tolti i giganti Def Leppard, imprescindibili pilastri del suono rock melodico, chi c’è, nella vecchia Albione, che abbia inciso in questo settore? Avrebbero potuto farlo, e benissimo, i Little Angels, ma per qualche misterioso motivo sono rimasti un fenomeno nazionale, poco amato e ancora meno conosciuto fuori dalla Gran Bretagna (e anche in patria, non è che abbiano avuto molti proseliti: mi vengono in mente solo i 2 Die 4, peraltro bravissimi). I tentativi di creare un suono AOR britannico da parte di Diamond Head (quelli di ‘Canterbury’, naturalmente) e Notorius non sono stati apprezzati né in patria né fuori (e potremmo mettere nel mazzo anche i Ten, se non fossero arrivati fuori tempo massimo). Dobbiamo rammaricarci di questo disinteresse delle band locali nello sviluppo di un sound AOR autoctono? Chissà. Certo, le band inglesi non avrebbero potuto fare peggio di quelle continentali, e se un british AOR fosse mai esistito forse oggi non ci troveremmo schiacciati fra l’incudine delle band svedesi (che sono passate da melensaggini ABBA inspired a gelidi impasti chitarre/tastiere di una monotonia agghiacciante) ed il martello delle band germaniche (con le loro trombonate metalliche, inevitabilmente rozze e pacchiane). D’altra parte, la mancanza di punti di riferimento locali e di interesse a sviluppare qualcosa di originale c’ha dato tante band che hanno praticato (e molto bene, a volte) il sound più classico, quello codificato dalla scena Nordamericana. Non saprei dire se gli Heartland di questo album d’esordio si possano considerare la miglior band AOR britannica, di certo sono stati quelli che con più convinzione (più dei Virginia Wolf in cui militò in precedenza il singer Chris Ousey, più degli FM, più ancora degli Shy) hanno adottato l’estetica più sofisticata dell’Adult Oriented Rock, in particolare quello di matrice canuck. Ascoltando ‘Heartland’ non si ha certo l’impressione di trovarsi al cospetto di una band inglese, tutt’altro. Quando parte “Teach You to Dream”, con quell’intro soffuso di chitarre cristalline, tastiere e percussioni che sfocia in una divina tranche di atmospheric power, il confronto con i grandi ensemble canadesi (Honeymoon Suite e Glass Tiger in testa) si fa inevitabile (ma l’esplosione d’energia nel refrain è debitrice del miglior Billy Squier). “Carrie Ann” è una power ballad impostata su un gigantesco big sound, mentre chiaroscuri un po’ westcoast percorrono la leggiadra “Don’t Cast Your Shadow” e “Real World” omaggia il fronte yankee dell’AOR con un bel melange Journey/Survivor. “Fight Fire With Fire” a dispetto del titolo bellicoso, è una ballad impostata su una delicata trama acustica, con un crescendo che culmina in un finale corale ed elettrico, invece “That Thing” è notturna, sexy e potente alla maniera dei Giant o di John Parr. Policroma e dinamica si rivela poi la splendida cavalcata intitolata “Walking on Ice”, mentre la power ballad “Paper Heart” torna a guardare all’universo Journey in un trionfo di big sound. Spettacolare e movimentata anche “Paradise”, con il basso in grande evidenza e chiude “Promises”, la scheggia più elettrica, con un ritornello vincente. Proprio i refrain sono l’unico punto debole di un album per il resto delizioso: con l’eccezione di quello di “Promises” risultano sempre poco incisivi, un difetto che si allargherà macroscopicamente quando il posto di Gary Sharpe alla chitarra verrà rilevato da Steve Morris, anche produttore (‘Heartland’ l’avevano prodotto Jimbo Burton e Julian Mendhelson) di album che pur suonati e prodotti in maniera eccellente finivano per essere carenti in ciò che più conta, il songwriting.

Quando, anni fa, scrissi la recensione dell’unico album dei Cold Sweat (il link è a disposizione per chi è arrivato dopo o non ricorda), feci alcune considerazioni non proprio lusinghiere riguardo la produzione discografica dei Keel e la collocazione – un pelo curiosa, a mio parere – di questa band nel firmamento metal californiano. Non mi rimangio nulla di quanto pubblicato  a suo tempo, ma ammetto di aver avuto la mano un po’ pesante con Ron e la sua band, che furono nei Big 80s senza dubbio fra i protagonisti della scena metal californiana (mai protagonisti su Billboard, però, considerato che tutti i loro album degli anni d’oro hanno sempre vagolato nella terra di nessuno fra i numeri 50 e 80). Questo album omonimo del 1987 resta per me la loro prova più convincente: meno heavy rispetto ai predecessori, con una maggior continuità nel songwriting (che vedeva coinvolto anche un pezzo grosso come Jack Ponti) e la produzione accurata di Michael Wagener. La canzone d’apertura, “United Nations”, mi è sempre apparsa come la perfetta espressione dei dubbi amletici in cui certe band metal americane si sono rotolate durante gli anni ’80, indecise se rimanere ancorate ad un suono massiccio ed epicheggiante o virare sullo stile melodico californiano: i Keel riescono qui a stare con un piede in entrambe le scarpe, confezionando una canzone cromata e anthemica, in bilico tra class e puro heavy metal: un risultato tecnicamente eccellente, ma che rischia di scontentare entrambe le platee (i fan del class probabilmente troveranno “United Nations” troppo solenne, quelli dell’heavy classico diranno che non lo è abbastanza…). Anche nella successiva “Somebody’s Waiting” la band sembra non essere sicura della direzione da prendere, questa scheggia di class metal suona un po’ cupa, e la bella linea melodica delle strofe sbocca in un refrain stranamente amorfo (“stranamente” perché questa è una delle track firmate da Jack Ponti, che in genere proprio nei refrain hanno la loro forza). Dubbi e incertezze vengono (finalmente) superati con “Cherry Lane”, divertente metal da spiaggia alla Black’n’Blue, e “Calm Before the Storm”, una buona power ballad con ampio spiegamento di tastiere e gradevoli umori FM rock. “King of the Rock”, veloce e serrata, è un bel class metal ruvido e anthemico, “It’s a Jungle Out There” parla la lingua del metal californiano di marca Ratt, come “If Love is a Crime (I Wanna Be Convicted)” e la conclusiva “Fourth of July”, mentre “I Said the Wrong Thing to the Right Girl” e “Don’t Say You Love Me” approcciano l’hard melodico, la prima con qualcosa di Autograph e Bon Jovi.