A volte i moniker possono rivelarsi singolarmente profetici.

Nati a Liverpool nel 1979, gli Export esordirono l’anno seguente con un album autointitolato e autoprodotto di cui (ovviamente) pochi sentirono parlare. Nel 1984 arrivò la grande occasione: la band firmò addirittura per la Epic, che decise di lanciarli negli USA, prima con ‘Contraband’, poi con questo ‘Living In The Fear of The Private Eye’, inciso negli Stati Uniti e prodotto dall’americano Lance Quinn (Bon Jovi, Danger Danger, Lita Ford, April Wine, Nils Lofgren). Insomma, gli Export divennero un vero articolo da esportazione, perché la Epic non stampò questi due album in UK, ma solo negli USA e in Canada: scelta coerente con l’orientamento del mercato britannico, restio ad accogliere bene le band AOR, anche quelle indigene. Purtroppo, su Billboard gli Export non riuscirono ad affacciarsi e la Epic li scaricò, provando ancora una volta a esportare AOR inglese in america con gli FM tre anni dopo, e ottenendo i medesimi risultati.

Oggi, gli Export vengono ricordati soprattutto perché furono la prima band di Steve Morris, ma i fan del rock melodico dovrebbero impegnare qualche neurone anche per memorizzare l’esistenza di questo disco, il migliore inciso dalla band e assolutamente all’altezza della concorrenza yankee e canuck.

Apre l’album la title track, che affianca i Loverboy agli Yes di ‘90125’ tramite un bell’amalgama di tastiere e chitarre taglienti, ricetta replicata su “No Escape”  con un pizzico di aggressività in più e un refrain ancora più Yes, mentre il sound dei Loverboy prende un netto sopravvento (con qualche nuance Van Stephenson) in “Runnin’ Back (For More)” (che forse è un po’ troppo lunga). Con “Airwaves” si sale davvero in alto: replica le atmosfere drammatiche dei Survivor, ma con decisi spunti Journey, muovendosi in un lento crescendo nello stesso tempo potente e d’atmosfera. Brusco cambio di rotta con “You Make Me Wanna” e “Closer To You”, decisamente Bryan Adams: la prima possiede un certo smalto heartland rock, la seconda è più elettrica. Survivor e Foreigner presiedono a “Tear Me Apart”, smaltata di tastiere al limite del pomp (nelle due track precedenti le keys erano rimaste molto in fondo), “Summer Nights” è una ballad veramente buona, vigorosa nell’interpretazione ma pure carezzevole, elettroacustica ma con tastiere ben presenti. Chiude il disco “Can’t Say No”, hard melodico con qualche sprazzo pomp.

‘Living…’ non venne edito in CD fino al 2010, la Epic lo pubblicò solo su LP e cassetta, e ci volle la ristampa della Rock Candy per averlo su disco ottico: lo trovate in vendita oggi a prezzo equo (attorno ai 15 euro per i compact) su Amazon, oppure come .mp3, e a prezzo ancora più conveniente, su Amazon Music: vivamente consigliato.

Storia strana, quella dei White Sister. Più che strana, la potremmo magari definire “incoerente”. È piena di buchi che, pare, nessuno dei protagonisti ha voglia di riempire, di punti interrogativi che nessuno è interessato a cancellare. In concreto, cosa abbiamo? Una band con contratto major che viene messa alla porta pochi mesi dopo l’uscita del suo primo album, però riesce a piazzare ben cinque delle proprie canzoni nelle colonne sonore di cinque film diversi (tutti prodotti o distribuiti da varie major cinematografiche) tra il 1985 e il 1990. Perso quel contratto, l’unica sistemazione che trova è presso una label indipendente britannica che non ha la possibilità di pubblicare album negli USA e il massimo che riesce a fare è mandarla in tour in UK come supporter degli FM. Se tutto questo ha un senso…

Prima di entrare nel vivo di questa disanima della produzione discografica dei White Sister, vorrei però mettere in guardia chi mi legge riguardo una possibile fonte di informazione su di loro. Nella scheda in italiano che Wikipedia gli dedica, una buona parte di quanto è scritto viene ripreso da un sito oggi defunto, prima chiamato Rockdetector e poi Musicmight, che offriva biografie dettagliate di una miriade di band, soprattutto di quelle hard rock. Purtroppo, Rockdetector/Musicmight non era per niente attendibile: alle notizie certe mescolava con la massima disinvoltura storielle, leggende, voci palesemente false, senza criterio né discernimento. In definitiva, una buona parte di quanto troviamo riguardo i White Sister su Wikipedia Italia deve essere preso con le molle. La scheda in inglese è più breve ma riporta notizie, non voci e pettegolezzi.

La line up dell’esordio comprendeva Dennis Churchill-Dries (basso e voce), Gary Brandon (tastiere e voce), Rick Chadock  (chitarre) e Richard Wright  (batteria) È arcinoto che produzione, arrangiamenti e anche una certa parte del songwriting di ‘White Sister’ si debbono a Greg Giuffria. Chi però si mettesse all’ascolto di questo disco immaginando una replica di quelli degli Angel o magari dei Giuffria (che esordiranno in quello stesso 1984), rimarrebbe deluso. Le tastiere hanno un loro spazio determinante nel sound della band, ma andando sempre a braccetto con chitarre che spesso hanno una schietta aggressività metallica, fin dall’iniziale “Don’t Say That You’re Mine”, con il suo riff spavaldo, diretta nonostante gli sprazzi di keys sinfoniche , ma con un refrain troppo orientato verso gli anni 70. Assolutamente anni 80 risultano invece “Straight From the Heart” e “Love Don’t Make it Right”, ottimi melodic metal californiani: il primo appena punteggiato di tastiere, con un bel bridge d’atmosfera prima dell’assolo; il secondo con un pelo di keys in più e un refrain drammatico e un po’ Journey. Le tastiere si limitano a rifinire l’hard metallico, serrato ma melodico, intitolato “Breakin’ All the Rules”, ma con “Whips” e “Can’t Say No” si entra nella dimensione dell’arena rock, entrambi potenti, cromate, spettacolari, segnate da un impasto perfetto di tastiere e chitarre. “Promises” diffonde una certa atmosfera Journey, ma su un registro più elettrico: il refrain è divino e ha un bel sapore Asia, le tastiere sono più presenti e fanno anche l’assolo. Si torna all’hard melodico con i toni drammatici di “Walk Away”, e da quelle parti restiamo con “One More Night”, su cui le keys quasi spariscono e il refrain si fa molto essenziale: per me, quasi un filler. In chiusura c’è l’AOR cerebrale di “Just For You”, un po’ cupo con le sue tastiere al limite del prog.

L’unico punto debole di questo disco stava nella doppia conduzione vocale: Dennis Churchill-Dries era (ed è ancora oggi) un cantante straordinario, Gary Brandon aveva una voce abbastanza bella (un po’ alla Russel Arcara) ma non all’altezza di quella del suo collega. La compresenza di due voci, soprattutto quando una è strepitosa e l’altra soltanto buona, raramente fa bene ad un album. Non credo, però, che questa spartizione del microfono sia stata alla radice del flop a livello di vendite, quello che mancò fu una promozione adeguata. La band voleva andare in tour ma la EMI non volle aprire il portafogli per finanziarglielo. Poi qualcuno dei piani alti decise che quel “sister” nel moniker non andava bene perché rischiava di farli confondere con i Twisted Sister (a chi diavolo possa mai essere passata anche solo per l’anticamera del cervello un’idea simile mi piacerebbe proprio saperlo) ma la band si oppose ad un cambiamento di nome, anche se la EMI era pronta a rifare tutte le copertine. E poi? Non si sa. L’unica certezza è il licenziamento da parte della major, solo qualche mese dopo l’uscita del disco. L’abbandono di Gary Brandon arrivò prima che firmassero per la britannica FM Revolver. Perché – si mormora – Brandon proprio non voleva saperne di lasciare il microfono a Dennis Churchill-Dries, che lo reclamava tutto per sé. Io dubito fortemente che questa fosse la motivazione di base del tastierista per tagliare i ponti con la band: Brandon, appena lasciati i White Sister, andò in tour con John Parr (a quell’epoca all’apice del successo in USA) e poi con Tina Turner (il tour di quel ‘Private Dancer’ che fu cinque volte di platino), e mi pare evidente che fu proprio per lavorare con loro che Gary lasciò i White Sister, considerato anche che il futuro della band appariva tutt’altro che roseo. La FM Revolver non aveva distribuzione negli USA, e difatti il frutto di questa collaborazione, ‘Fashion by Passion’, in America non è mai stato pubblicato. Che senso aveva firmare per una label inglese che non poteva far uscire album negli Stati Uniti? Dennis e soci speravano di avere successo in UK con il rock melodico, quando perfino i Def Leppard faticavano a vendere dischi in casa propria (‘Pyromania’ in UK fu solo disco d’argento, che equivale a sessantamila, misere copie, contro i dieci milioni venduti negli USA)? Era, in definitiva, una scelta praticamente suicida a livello commerciale, e difatti ‘Fashion by Passion’ fu la pietra tombale della band.

Perso Gary Brandon, i tre superstiti non lo sostituirono immediatamente, e le parti di tastiere di ‘Fashion by Passion’ furono opera del produttore Joel Goldsmith e un paio di session men. In questo secondo album, il suono approccia molto di più l’AOR e l’hard melodico e il cambio di passo si avverte immediatamente in “A Place in the Heart”, che ha la stessa drammaticità dei Fortune nel rileggere e amplificare il suono dei Journey, con muri di tastiere più imponenti che pompose, e ancora di più nella title track, che risulta un pop rock molto poco rock (le chitarre appena si sentono), giocato tra percussioni sintetiche e keys, spettacolare e con una innegabile vena dance. “Dancin’ on Midnight” è uno splendido rock melodico da spiaggia che fa pensare a degli Autograph più sofisticati, ma con “Save Me Tonight” i White Sister anticipavano quello che i Giant faranno tre anni dopo con ‘Last of The Runaways’, tessendo una power ballad intensa e potente. La “Ticket to Ride” dei Beatles viene impeccabilmente traslata nel rock dei Big 80s, mentre “April” torna all’arena rock, agile e imponente nella stessa misura. “Until It Hurts” e “Troubleshooter” fanno intravedere vagamente il futuro targato Tattoo Rodeo, la prima con un bell’arrangiamento e un refrain forse troppo diretto, la seconda con un piacevole assolo di sax, mentre “Lonely Teardrops” chiude le danze, col suo tipico passo robotico alla Loverboy e Dennis che riesce a iniettare una bella dose di soul nel refrain.

‘Fashion by Passion’ non ha mai goduto presso il popolo dell’AOR della altissima considerazione del suo predecessore, forse per il suo clima più “leggero” o perché gli manca l’imprimatur di Gregg Giuffria (oppure per quella assurda copertina che sembra rubata a un gruppo disco di fine anni 70?). Sigillata comunque la propria tomba con questo (splendido) monumento funebre, la band ritornò in patria, reclutò un nuovo tastierista, Michael Lord, si ribattezzò Tattoo Rodeo e per il seguito della storia potete seguire il link.

Entrambi i dischi sono oggi scaricabili su Amazon Music. Consigliare l’ascolto di ‘White Sister’ mi pare superfluo, dato che chi conosce anche superficialmente l’AOR dei Big 80s non può non averne come minimo sentito parlare. Mi preme piuttosto raccomandare caldamente ‘Fashion by Passion’ a chi lo ha trascurato, ritenendolo non all’altezza dell’esordio: il registro stilistico non è proprio lo stesso, ma la qualità della proposta resta elevatissima, confermando la statura di una band che ha fatto davvero la storia del nostro genere.

Giudicando dal contenuto di varie mail recentemente indirizzatemi, posso arguire che il pezzo sui White Sister è stato molto gradito da chi mi segue, e ha spinto qualcuno a sollecitare il sottoscritto ad occuparsi più spesso di band storiche. Se sulle band storiche, fondamentali o come preferite qualificarle, in genere glisso, questo avviene perché – non è la prima volta che metto in chiaro questo punto – non credo ce ne sia un gran bisogno. Insomma, cos’altro si può dire dei Boston o degli Aerosmith o dei Quiet Riot? Se ne stanno lì, nel loro empireo, da lungo tempo canonizzati, e nel web potete trovare innumerevoli biografie o recensioni che li riguardano. Se c’è la possibilità di affrontare la loro produzione discografica da un’angolazione differente dal solito, o raccontare fatti poco noti al grande pubblico, la cosa si fa – dal mio punto di vista – più interessante, ma non sempre questa eventualità si presenta. E, insomma, quello che mi piace davvero è segnalare a chi mi legge quei tanti artisti che nell’empireo non ci sono finiti, e non sempre perché la canonizzazione non se la meritavano. Band che magari sono state virtualmente dimenticate ma hanno firmato lavori notevoli, non capolavori ma comunque album che meritano di essere riportati all’attenzione di chi li ha trascurati o per motivi anagrafici non ne ha mai sentito parlare. E perfetti rappresentanti di questa categoria sono i Medicine Men. Ignorati da Heavyharmonies, mai ristampato il loro unico album che gira tra eBay e Amazon a cifre oscillanti fra i trenta e i novanta dollari. Perché è andata così? Assodata la buona caratura di ‘Keeper of The Sacred Fire’ (uscito oltretutto per una label che faceva parte del gruppo BMG), non resta che puntare l’indice sull’anno di uscita, quel 1992 che vedeva il grunge affermarsi definitivamente come nuovo trend dominante della musica rock, o forse su una ingannevole enfasi data nei comunicati all’interesse della band per i pellerossa e le loro tradizioni (“ingannevole” perché la devozione alla causa – qualunque essa sia – degli indiani d’America si esplicava unicamente nei testi di un paio di canzoni, mentre nei suddetti comunicati pareva quasi che i Medicine Men si fossero consacrati a qualche balorda crociata in difesa di sioux e apaches).

‘Keeper…’ era il prodotto di un talentuoso trio canadese formato da Paul Carlos (chitarra e voce), Joe Cerrato (basso) e Frank Giroux (batteria), i quali  – con la produzione di Richard Gottehrer e Jeffrey Lesser (anche alle tastiere) – confezionarono un album che in una certa parte andava a situarsi in quei territori poco battuti dove l’hard melodico si sposava al patrimonio di riff e atmosfere della new wave più rock, quel genere di sound che ha trovato la sua massima espressione negli esordi di Beggars & Thieves, Diving For Pearls e Neverland. La prima canzone in scaletta dichiarava senza equivoci le intenzioni della band, dato che la suggestiva “Peace of the Sky” si reggeva su un riff molto U2 convenientemente amplificato. “Dig Out the Hatchet” – dopo un intro stile danza di guerra pellerossa ma con un aggressività da metal californiano – aggiungeva alla ricetta un’atmosfera arcana e minacciosa e un coro anthemico, mentre “Shine” virava sul rock mainstream, elettroacustica e con un’atmosfera più britannica che americana. Ben arrangiata risultava la ballad acustica “Take Me Back” (anche se non era niente di speciale), ma con “She’s So Wild” si cambiava scenario, sbarcando nella Los Angeles dei Love/Hate, street metal con un corretto canto sguaiato e beffardo e una fase solista di chitarra davvero pregevole che caratterizzava anche “Voodoo Queen Blues”, un mid tempo blues ma con volume da hard rock, dove la voce  compare solo a sprazzi e protagonista è la chitarra di Paul Carlos con lunghi assoli spettacolari e policromi. “Freeway Runner” tornava allo street metal, drammatica, potente, un po’ Lynch Mob, e da quelle parti restava “Magenta”, veloce e secca, con qualcosa dei Beggars & Thieves, e Carlos che torna a mettersi in bell’evidenza con notevolissimi assoli che danno atmosfera e colore alla canzone. “Nobody’s Home” richiamava il sound di “Shine” ma nella dimensione della ballad, mentre “Little Angel” si spostava verso territori più genuinamente heartland rock (anche se il riffing deve sempre molto agli U2). “Holy War” (strofe d’atmosfera, refrain tempestoso) parlava con più decisione la lingua dei Beggars & Thieves, declinata anche nel superbo strumentale che chiude l’album, “Blue Road”, avvincente e turbinoso, con richiami anche a U2 e Cult.

Come già annotato, ‘Keeper of The Sacred Fire’ non è impossibile da reperire, ma il prezzo richiesto è tutt’altro che leggero. Sollecitare una sua riedizione a chi si occupa di ristampe non sarebbe certo una cattiva idea.