Personaggio senza dubbio minore nell’ambito dell’ hard melodico degli anni ’80 e ’90 (bassista della band di Jeff Paris sul favoloso ‘Wired Up’, poi con Three Dog Night, Night Ranger e Brad Gillis), Gary Moon esordì come solista nel 2003 sfornando questo eccellente (ma eccellente davvero) album, composto da materiale registrato per un progetto non andato in porto, una band che avrebbe dovuto chiamarsi The Pack, formata da Gary assieme a Steve Isham degli Autograph. La band cominciò a registrare un album che, per motivi facilmente comprensibili considerato che si era nel primissimi anni ’90, non venne completato, almeno finché Gary non riprese in mano i nastri, aggiunse quello che mancava, rimasterizzò e pubblicò il tutto a proprio nome. Il disco si apre con l’AOR sofisticato e notturno di “Still”, prosegue con il grandioso arena rock “Heart Of Stone”  (basato su un giro di chitarra davvero ficcante), mentre “State Of The Heart” veleggia sui territori del big sound come dei Bon Jovi più pop. “Alayna” ha un atmosfera esotica di marca zeppeliniana ma con un refrain diretto e melodico, la superba “Music Box” parte con un tappeto di chitarre acustiche e tastiere che si fa via via più secco e fisico, “Call of The Wild” stende una grande melodia sulla trama in chiaroscuro imbastita da chitarre e Hammond per un risultato finale molto Tyketto. Con le due track successive sbarchiamo in California, dato che “Queen Of The Damned” è un delizioso melodic metal che fa tanto Ratt, mentre “Can’t Help Falling In Love”, più vellutata e notturna, guarda all’universo Autograph. “Angels Don’t Lie” è una power ballad magnificamente tessuta, poi “One Love” ci riporta ai migliori momenti della discografia di Jeff Paris, un arena rock bombastic e trascinante, “Love In A Wicked World” chiude strizzando di nuovo l’occhio ai Tiketto con la sua miscela di chitarre elettriche e Hammond, le sfumature bluesy ed il refrain diretto ma non banale.

Su eBay, ‘Still Moon’ è una rara avis, ma su Amazon lo potete scaricare per la miserabile cifra di $ 7.99: non esitate…

In questi nostri tempi di revival selvaggio degli anni ’70, un album come ‘Equator’ non gode certo di buona stampa. Appare frutto di un compromesso o – peggio – di una resa incondizionata che si può tradurre nello slogan: i tempi cambiano, ed io mi metto al passo. Questa sembra la logica che ha ispirato tanti act che negli anni ’80 hanno sfornato dischi più o meno in linea con quanto saliva ai piani alti di Billboard: i Blackfoot di ‘Rick Medlocke and Blackfoot’, i Deep Purple di ‘Slaves and Masters’, i 38 Special di ‘Bone Against Steel’ eccetera eccetera. Era giusto? Era sbagliato? Quello che contava era il risultato finale, e spesso il suddetto era ottimo, se non addirittura stratosferico. Nel caso degli Heep, ci si può chiedere se quella logica fosse, diciamo così, giustificata dalla localizzazione geografica dell’audience di una band che negli USA non ha mai, non dico sfondato ma perlomeno conquistato una certa popolarità. Negli States, difatti, Mick Box e soci ottennero qualche riscontro fra il 1972 ed il ’74 (‘Wonderworld’ sfiorò il disco d’oro vendendo 450.000 copie e raggiungendo il numero 38 della Billboard 200) scivolando poi in un sostanziale anonimato con vendite insignificanti mentre in UK ed in Germania continuarono a mantenere posizioni di prestigio (‘Innocent Victim’ pare che abbia venduto in Germania nel 1977 addirittura un milione di copie). E dunque, che senso aveva, per gli Uriah Heep, rivolgersi all’hard melodico, genere poco considerato  in Europa e che tra le band britanniche aveva portato fortuna solo ai Def Leppard e ai Fastway? Era, suppongo, il solito miraggio del faraonico mercato yankee a orientare gli Heep verso certe sonorità che non gli appartenevano, la speranza di fare quel botto che solo alle due band citate (ed ai Grim Reaper, ma con ben altre alchimie sonore) era riuscito. Che quell’esplosione non si sia verificata, non dipende certo dalla qualità di ‘Equator’, album che avrebbe potuto dare ampia soddisfazione a qualsiasi aficionado dell’hard melodico ottantiano… se solo qualcuno si fosse preso la briga di ascoltarlo. La promozione che la Columbia offrì all’album sul mercato che contava, quello americano, non fu niente di speciale, così che ‘Equator’ non riuscì neppure ad entrare nella Billboard 200, anche i due singoli estratti dall’album non se li filò nessuno e MTV passò il videoclip di “Rocakarama” forse solo un paio di volte e magari alle tre del mattino… In patria le cose non andarono molto meglio, solo un misero numero 79 nella chart inglese e anche la fedelissima Germania voltò le spalle a questi inediti Heep versione AOR. In definitiva: un disastro su tutta la linea, almeno dal punto di vista commerciale, che rischiò seriamente di ammazzare la band, le fece perdere il contratto con la Columbia e fu il preludio a quattro, lunghi anni di silenzio discografico. E tutto questo, ribadisco, accadde ad un album che aveva le carte giuste per imporsi sul mercato dell’hard rock melodico. Salvo per la conclusiva “Night Of The Wolf”, difatti, ‘Equator’ mette al bando il vecchio sound degli Heep, tuffandosi deciso nell’arena rock che tanto piaceva agli yankees al bel tempo che fu, a cominciare da “Rocakarama”, quasi una alternate version della ‘Rock of Ages’ leppardiana, rifatta dagli Heep (e dal loro produttore, l’esperto Tony Platt) in una chiave ancora più spettacolare e bombastic rispetto all’originale, un’orgia di tastiere saettanti, chitarrone e cori da stadio che avrà fatto inorridire (suppongo) tutti quei fan a cui prendeva il batticuore quando, in concerto, partivano “Easy Livin” o “Spider Woman”… “Bad Blood”, “Lost One Love” e “Angel” andavano dritte verso gli USA ed i Journey, ciascuna a suo modo (la prima, anthemica ed enfatica; la seconda, sul registro della power ballad; la terza, un classico FM rock yankee dal vivace arrangiamento). Più drammatica, con belle sovrapposizioni di cori, risultava “Holding On” (il punto di riferimento, qui, sembravano soprattutto i Triumph) mentre “Party Time” ha un titolo che già dice tutto, selvatica e divertente eppure sempre cromatissima. Con “Poor Little Rich Girl” c’è un piccolo, parziale ritorno al passato, almeno nel suono dell’organo che apre la canzone sfumando fra keys incantate ed una bella chitarra acustica che fanno da rampa di lancio per un crescendo elettrico, solenne e grandioso, spezzato dal un bel bridge orchestrale dal sapore barocco, per un risultato finale che di nuovo ricorda i Triumph. “Skools Burnin’” torna di prepotenza all’arena rock, incrociando Journey e Queen in un tripudio di keys e chitarre anthemiche, “Heartache City” stende su un’intelaiatura di metal californiano un arrangiamento denso e variopinto, con una linea melodica più decisa e diretta ma sempre avvolta in cori e panneggi di tastiere: contende a “Poor Little Rich Girl” il titolo di top track dell’album. In chiusura, come già detto, l’epicità serrata di “Night Of The Wolf” fa a pugni con tutto il resto ma è forse un contentino destinato ai die hard fans costretti a sorbirsi quaranta minuti e rotti di melodic rock…

La reperibilità attuale di ‘Equator’ è ottima dopo la ristampa (con varie bonus) della Lemon Records nel 2010, comunque di copie in CD e vinile non c’è mai stata penuria: Amazon ha in stock anche la versione che la Columbia rieditò nel 1999, un bel po’ di copie ancora chiuse nel cellofan di un album che, pare, i fan degli Heep non sono mai riusciti a digerire e (Dio sa perché) neppure ce l'ha fatta ad entrare nel cuore dei fan dell’AOR.

Quest’unico (pare) album di Josette Miles è uscito nel 1998 ma non è chiaro se sia stato inciso effettivamente alla fine del millennio oppure registrato molto prima. Lo stile del materiale qui presente farebbe propendere comunque per la seconda ipotesi dato che ascoltiamo in tutto l’album class metal e hard melodico arrangiati nel più puro stile di metà anni ’80. Nonostante la bella voce della cantante (limpida, chiara, espressiva, potente quando serve) ed una backing band di un certo valore (tre membri dei Dakota tra cui Jerry Hludzik – anche produttore –, Roger Fisher degli Heart, Kjell Benner che fu il bassista dei Poker Face), ‘Josette’ resta un lavoro minore: le prime quattro canzoni sono scontati esercizi di metal californiano proposto in una versione mai troppo aggressiva e desisamente melodica a livello di vocals: trascurabili. Il livello sale di molto con “Heading Home”, una buona ballad tutta acustiche e keys con refrain elettrico, e si mantiene su buoni livelli con “When Love Begins” che vira sull’atmospheric power con discreta efficacia ed un refrain molto Journey. Decisamente Survivor si rivela invece l’hard melodico “Livin’ 2 Lives”, irruente e patinato assieme, mentre la power ballad “One Love” ha un bel crescendo ma si sgonfia un po’ nel refrain. “Believe In Me” è un hard melodico molto diretto e con un ritornello pop, ma “Don’t Be Lonely” è un altro mezzo colpo a vuoto, una ballatona infarcita di tastiere ma con una linea vocale che suona vaga e indefinita. Il meglio arriva con la conclusiva “As Time Goes By”, ancora hard melodico, stavolta molto ben arrangiato.

Su eBay, ‘Josette’ gira intorno ai trenta dollari (ci sarebbe anche un folle su Amazon UK che ne ha messo in vendita una copia a 134 sterline…), quotazione che mi sento di affermare è dovuta interamente alla sua relativa rarità: non un album da buttare, ma certo non meritevole di esborsi spropositati per venirne in possesso.

Ecco un’altra di quelle band di cui hanno sentito parlare solo il vostro webmaster e forse altre quattro o cinque persone… Ma, dato che lo scopo di questo sito – come ho più volte ribadito – non è tanto correre appresso agli album di fresca pubblicazione ma mettervi al corrente dell’esistenza di validi prodotti del passato (e anche, se è il caso, smontare miti cresciuti attorno a prodotti che validi non lo sono per niente), eccoci a trattare dei Brickyard: americani, che nel 1991 pubblicarono questo unico album, mai stampato in CD finché la Retrospect non lo rieditò in serie limitata nel 2010. Dopo questa fugace ricomparsa è ridiventato una rara avis, merce per collezionisti assatanati e danarosi (su Amazon, il CD è in vendita a 200 dollari). Questito: valeva la pena ristamparlo? Direi di sì. Altro quesito: ho 200 dollari di cui non so assolutamente cosa fare, mi compro il CD dei Brickyard? Se quei soldi proprio vi ingombrano il portafogli e magari volete tentare un investimento (tra qualche anno potrebbe valerne 300, chi lo sa?), correte su Amazon (le copie in vendita sono appena due) ma debbo subito precisare che la quotazione non è proporzionata al contenuto musicale del prodotto. Band onesta, i Brickyard, e anche con una discreta abilità nel songwriting, ma irrimediabilmente derivativa. Aprono l’album con “Piece of the Action”, incursione nei territori di quell’ibrido tra AOR e southern rock di cui furono campioni i 38 Special, anche se qui il clima drammatico rimanda più agli Outlaws, mentre la successiva “Break the Ice” è impostata su un pulsare boogie che fa tanto ZZ Top anni ’80, ma senza il clima festaiolo e con un deciso taglio hard rock. Da qui in poi, il sound dell’album fa una netta giravolta, passando senza equivoci all’AOR hard edged: “Baby I’m in Love Again” parte morbida e sale in un bel crescendo elettrico fra Bryan Adams e John Waite; la power ballad “Come Back and Hold Me” mescola Foreigner e Honeymoon Suite, strofe d’atmosfera su uno sfondo di tastiere mentre il refrain risulta elettrico e potente; “White Light” è un mid tempo dal flavour FM rock, nello stesso tempo ruvido e arioso, con un bel coro anthemico; “I Believe in Love” un’altra power ballad dal bell’arrangiamento, in cui si alternano i panneggi di tastiere a chitarre tinnanti o belle toste. Le altre cinque canzoni sembrano estratte dal songbook dei Survivor, e se il cantante, Mikel Japp, avesse una voce simil Jimi Jamison, si potrebbe davvero essere tratti in inganno e scambiarle per estratti da uno degli album della band di Jim Peterick: tutte molto buone, ben arrangiate (ma sulla conclusiva “Do You Wanna Know” il suono è un po’ tirato via, come se l’avessero registrata in un altro studio, e in fretta e furia), però non so fino a che punto si può lodare una band per la sua capacità di clonare il sound altrui… Comunque, se amate il tipico AOR dei Survivor, in queste canzoni c’è pane per i vostri denti.

In definitiva, ‘Brickyard’ non è certo un album da buttare via, e potrei consigliare caldamente ai miei lettori di procurarselo se non fosse per la faccenduola dei 200 dollari…

I punti interrogativi nei box relativi a “etichetta” e “reperibilità” alludono al fatto che questo album dei Laos è un bootleg. Per essere più precisi, è una pubblicazione pirata di quello che avrebbe dovuto essere il loro secondo album, ‘Womanizer’. Questo disco avrebbe dovuto uscire nel 1992 per la BMG tedesca, riemerse quando la MTM ristampò l’esordio della band, 'I Want it' (per i particolari, seguite il link). Purtroppo, la MTM defunse di lì a poco, e del secondo album dei Laos si persero le tracce. Una parte del materiale era già stato edito a nome della sola Gudrun Laos, per un totale (mi sembra) di quattro canzoni, e fu la stessa Gudrun (ma oggi ha cambiato nome, si fa chiamare Aino) a dare qualche informazione su ‘Womanizer’ in un’intervista rilasciata anni fa. Pare che tutto l’album venne registrato da lei e dal produttore Rudi Kronenberger e che la cover di “More Than a Feeling” fu incisa perché serviva per uno spot pubblicitario della Levi’s. L’album si compone di diciassette canzoni, ma le ultime cinque sono soltanto versioni con titoli appena differenti di altrettante track, dunque abbiamo in realtà solo dodici titoli. Le differenze con ‘I Want It’ sono abbastanza marcate, ma dei Laos di quel disco era rimasta soltanto Gudrun. Della cover di “More Than A Feeling” e di “Come Tomorrow” e “Love Sweet Love” ho già scritto nella review di cui sopra, mentre “Harem” ha cadenze tra solenni e arabeggianti e la title track poggia su un riffone granitico alla AC/DC. “Living Without You” è un AOR d’atmosfera impostato su arrangiamenti molto fantasiosi di tastiere con un refrain elettrico e potente ed un finale in crescendo, epicheggiante e pomposo, “What Loves All About” e “Highway To Freedom” due ballad tutte keys, la prima più serena, la seconda enfatica e solenne. Nelle ultime quattro canzoni c’è una decisa sterzata verso il rock mainstream americano, elettroacustico, tradizionale ma non scontato, a cominciare da “Beg Borrow & Die”, procedendo attraverso i bei chiaroscuri di “Perfect World” (cantata da Gudrun in duetto con qualcuno che temo resterà ignoto) che ha il plus di un bridge sui generis con tastiere molto pompose ed una chitarra col wah wah, chiudendo con “Fantasize” e “Long Hot Summer”, debitrici delle atmosmere folk rock che gli Heart portarono al successo negli anni ’70. Attraverso tutto l’album spicca la produzione cristallina e lo sforzo di Gudrun e Kronenberger di confezionare arrangiamenti che vadano oltre le convenzionalità del genere senza stravolgerle. In definitiva, non un capolavoro, ‘Womanizer’, ma senza dubbio un album interessante. Come procurarselo? Essendo un bootleg, si possono mettere al bando gli scrupoli e procedere al reperimento tramite web. In bocca al lupo!