E’ cominciato tutto a metà anni ’80. Ad aprire la strada sono stati i Great White e gli ZZ Top, a spianarla i Tesla, a trasformarla in un’autostrada a sei corsie gli Aerosmith. L’hard rock ritrovava il suo padre spirituale, il blues. E da questo ritorno a casa traeva linfa vitale, forza ed un fascino sconfinati. I nomi che si fecero devoti di questa causa quasi non si contano: Kingdome Come, Cinderella, Badlands, Dirty White Boy, Salty Dog, Lynch Mob, Delta Rebels, Tora Tora, Little Caesar, Katmandu, Black Crowes... un fiume che pareva inarrestabile, ma è finito invece inghiottito anche lui dal terremoto che il grunge provocò sulla scena musicale americana nei primi anni 90. Nell’ HARD BLUES DEPARTMENT di AORARCHIVIA, tutte le recensioni dei dischi delle bands che furono protagoniste di questa magica stagione.

Metto le mani avanti: non sono la persona più adatta a scrivere in maniera assolutamente imparziale di questo disco. Per me, David Coverdale è la voce, la misura della perfezione in campo hard rock. E Jimmy Page è il chitarrista, geniale, unico, assoluto e ineguagliabile. Se c'è stato un disco che ho atteso con il cuore in gola, per cui ho spasimato, ho contato i giorni, le ore ed i minuti che mi separavano dall'attimo fatidico in cui avrei potuto religiosamente introdurlo nel mio CD player, beh, è sicuramente questo (appena dietro viene il secondo Bad English, ma questa - come diceva Kipling -  è un'altra storia).

Dieci anni. Tanti ne sono passati da quando David riuscì a mettersi in società con Zoso - con gran scorno di un Percy sempre più acido e che commentò questo disco con parole irriferibili - e dal tour giapponese che concluse un'avventura sicuramente troppo breve.

L'incertezza manifestata all'epoca da qualcuno, sulla reale capacità del duo di riuscire ad illuminare la scena hard rock con un colpo di genio era tutto sommato legittima. Non era tanto Coverdale ad essere messo in discussione, quanto Jimmy Page. Dopo la fine dei Led Zeppelin, Jimmy non aveva certo messo a segno dei colpi memorabili. I Firm non erano piaciuti praticamente a nessuno, anche se le critiche che li investirono erano in gran parte frutto di un'aspettativa sicuramente esagerata per una band che riuniva due personaggi così importanti della musica rock. Il suo album solista, 'Outrider', si era rivelato una raccolta frettolosa ed assemblata alla meglio di hard blues che solo in qualche caso ritrovava antiche magie. L'impressione, insomma, era che Jimmy Page avesse perduto il bandolo della matassa, avesse smarrito quella formula che aveva permesso al suo dirigibile di volare tanto in alto da essere praticamente irraggiungibile per chiunque. E questa, temo, è non una semplice impressione, ma la cruda realtà.

Ma qui, su questo disco, Jimmy non è solo con i suoi fantasmi: si trova in compagnia di un talentuoso furbacchione, estremamente concreto e perfettamente inserito in una realtà da cui Zoso pareva voler autoescludersi fino alla fine dei suoi giorni. Un meraviglioso, irresistibile ruffiano che lo porta per mano a visitare i luoghi della sua giovinezza, invitandolo maliziosamente a prendere qualche ricordino ed un souvenir qua e là.

Insomma: niente colpi di genio. Ma un lungo, avvincente percorso nella memoria zeppeliniana, concentrato sopratutto nei primi sei album, dove Jimmy Page e la sua band - saltando a piè pari i fin troppo idolatrati anni '60 - ripartivano dal blues e dal più puro rock'n'roll per distillare una nuova alchimia sonora che avrebbe segnato un'epoca.

Il Page del 1993 non è quello degli anni '70. Ha perduto la voglia di osare e sperimentare, e forse la canzone che descrive meglio l'album è "Take me for a little while", una ballad languida e malinconica, del cui testo è autore proprio Jimmy: Ho raccontato tutti i miei ricordi... Mentre penso agli amici che abbiamo perduto... Perché non mi porti con te per un po'?/ e canti quelle canzoni che sai mi faranno sorridere...  

É come un appello... ma non rivolto a David Coverdale. La strada che porterà a 'No quarter' e 'Walking into Clarksdale' comincia indubbiamente da questa canzone. Per ora, Jimmy si accontenta di quanto può dargli di nostalgia il suo nuovo partner. E non è certo poco. Con l'eccezione delle sole "Take a look at yourself" e "Whisper a prayer for the dying", vicine al Whitesnake-sound di 'Slip of the tongue', non c'è frammento di quest'album che non sia riconducibile ad atmosfere più che Zeppeliniane. C'è l'hard rock bluesato, feroce ma controllatissimo, bilanciato tra acustico ed elettrico ( "Shake my tree", "Waiting on you", "Absolution blues", quest'ultima ben più che reminiscente della splendida "Ain't gonna cry no more", e non a caso, dato che questa canzone è, fra tutte quelle del repertorio Whitesnake pre '1987', quella più allineata alle classiche rotte del Dirigibile); il rock'n'roll mutante e indiavolato ("Pride and joy", "Feeling hot" ); il blues più canonico, con gli otto minuti di "Don't leave me this way" ; la solennità alla "Kashmir" di "Over now"; le atmosfere incantate di "Easy does it", dove la 12 corde di Page non può che rimandare ai momenti più fascinosi di 'III' e 'IV'. Sprecare aggettivi per queste canzoni è tempo perso. Ciascuna a proprio modo, ripropone quello stile unico e straordinario, ricrea quelle atmosfere perdute dopo che la signora con la falce s'era portata via Bonzo e che solo i Kingdome Come e - in parte - i Bonham, erano riusciti a ricreare.

Tutta luce? Qualche ombra, inevitabilmente, c'è. Non ci sono assoli memorabili, salvo forse quello di "Don't leave me this way" ; anzi, Jimmy in un paio di casi preferisce delegare il compito all'armonica di John Harris. E la voce di David Coverdale comincia qui a mostrare quelle crepe che si spalancheranno in maniera clamorosa su 'Restless heart'. Eppure, questo quasi impercettibile velo di ruggine non fa che aggiungere fascino all'opera, è una patina che ne raddolcisce i contorni, e ci fa sentire, tutt'altro che spiacevole, il peso del tempo.

Cos'altro rimane da dire? Che la sezione ritmica è composta da Jorge Casas al basso (con un paio di incursioni di Ricky Phillips, che andrà poi in tour) e dal veterano Denny Carmassi alla batteria, e la produzione è curata dai nostri due eroi con la preziosa collaborazione di Mike Fraser.

Album per nostalgici? Forse. Ma se ancora oggi i dischi degli Zep vendono a palate e la pubblicazione dei live ripescati negli archivi dell'Atlantic viene accolta come un evento, forse la nostalgia è un sentimento più diffuso di quello che si potrebbe supporre a prima vista.

Cosa vi viene in mente quando sentite/leggete la parola biker? Come reagite quando vi imbattete nel logo degli Hell’s Angels? È un universo, quello dei motociclisti americani, che non gode di buona stampa nel proprio paese. Li abbiamo visti, e sicuramente continueremo a vederli, in chissà quanti film e telefilm, in genere presentati sempre sotto una luce se non proprio sinistra, quanto meno inquietante. “Easy Ryder” è stata l’eccezione che conferma la regola numero uno: trattare i bikers sempre come selvaggi, asociali, supertossici, stupratori potenziali, eccetera eccetera. Rappresentarli come uno di quei poli negativi che la buona società americana – marcia dalle fondamenta – ha costantemente bisogno di contemplare per sentirsi virtuosa e pulita. Può darsi che tutto quello di cui li accusano sia vero, cosa ne sappiamo davvero noi, lontani migliaia e migliaia di chilometri? Eppure, se la musica di questa band era davvero tanto amata dagli Hell’s Angels forse non c’è motivo di avere paura di quei ragazzi che passano la loro vita a cavallo di una moto...

Difatti, Ron Young (voce, prima di mettersi a cantare faceva il buttafuori nei bar), Apache (chitarra solista, era nella backing band di Etta James), Louren Molinaire (chitarra ritmica) , Fidel Paniagua (basso), e Tom Morris (batteria) furono per anni i beniamini di quelle legioni di centauri che passano la loro vita a scorrazzare su e giù attraverso gli States a cavallo di una moto. Il loro primo EP (dopo l’esordio nella compilation ‘Street survivors’) ‘Name your poison’, non faceva presagire gran che, solo un’altra band di street metal in cerca di fortuna, poi – dopo qualche data di supporto ai Jane’s Addiction – arriva il contratto con la Geffen, e con il primo album autointitolato, uscito nel 1990, i Little Caesar (il monicker era il soprannome di un gangster della Chicago anni ’30) stupivano con un competente trattato di rock duro che sapeva essere nello stesso tempo trucido e finissimo,  riff d’acciaio che non sottomettevano mai la melodia, tocchi di rock sudista, di musica soul, il tutto magnificamente prodotto da Bob Rock. Ron Young era un’autentica rivelazione, con quella sua voce impastata e nitida nello stesso tempo, perfettamente a suo agio sia nelle schegge più abrasive e beffarde (“Wrong side of the track”, l’inno “Rock-n-roll state of mind”) che nei pezzi dove l’amore per il soul esplode incontenibile, in particolare nelle due cover, la “Chain of fools” già interpretata da Aretha Franklin e “I whish it would rain” dei Temptation (la rifecero anche i Faces), e poi nella corale power ballad “In your arm” e nella cavalcata finale “Little queenie” che parte da un riff funkeggiante e si conclude con un tripudio di cori femminili e fughe chitarristiche. “Cajun panther” è uno di quei boogie blues irresistibilmente bastardi che gli ZZ Top non hanno più saputo fare dopo ‘Eliminator’, “From the start”, Hard times” e “Midtown” parlano la stessa lingua dei Dirty White Boy, quella dell’hard blues più sincero e struggente, “Down-n-dirty” paga l’indispensabile dazio agli AC/DC, “Drive it home” è un superbo hard rock con un testo che pare ispirato dalla “Trampled underfoot” zeppeliniana, tutta una sfilza di doppi sensi con cui Ron magnifica le prestazioni della sua automobile in termini più che erotici...

Dopo tour di supporto a Slaughter e Kiss ed una memorabile esibizione durante un raduno di motociclisti nel mezzo del deserto del South Dakota, la band tornò al disco nel 1992, con ‘Influence’, che vedeva l’ingresso in formazione del grande Earl Slick. Slick si era rivolto a Ron Young per le parti vocali di due canzoni del suo album solo, registrato dopo la fine prematura dei Dirty White Boy, e quando Apache lasciò amichevolmente la band, Ron non ci pensò due volte ad offrirgli il posto di chitarra solista.

Prodotto da Howard Benson, (che ricordo già all’opera sull’esordio dei Bang Tango, ottima street metal band rovinata da un singer che - detto senza mezzi termini - non sapeva cantare: per saperne di più, seguite il link), ‘Influence’ ha un suono più asciutto, abrasivo, essenziale, meno cromato di ‘Little Caesar’, ma la qualità del songwriting restava sempre altissima. Ron Young si riconfermava cantante duttile e intenso, capace di prodursi in  timbriche quasi negroidi che in un paio di frangenti lo rendevano un Glenn Hughes più sanguigno ed impastato, e di passare con disinvoltura dal più classico boogie - “Rum and coke”, “Ain’t got it” - al blues elettrico - “Slow ride” - a pesi massimi come “You’re mine”, “Stand up”, “Pray for me”, e di nobilitare finissime ballads (“Turn my world around”, “Ballad of Johnny”, “Ridin’on”).

Perché questa band non abbia avuto il successo che meritava resta una specie di mistero. In quegli anni l’America si riscopriva affascinata da un rock - più o meno duro - diretto e senza fronzoli, old fashioned e un po’ sudista, decretando l’affermazione a vari livelli per bands come  Black Crowes,  Cry Of Love,  Junkyard,  Jackyl,  Soul Asylum. Pur compromessi con la non più trendy scena street,  l’hard rock diretto e sanguigno, semplice ma mai banale, venato di southern e blues che i Little Caesar proponevano aveva tutte le carte in regola per piacere, anche nell’era del grunge. Forse giocò a loro sfavore l’immagine di Ron Young, con il suo aspetto da Hell’s Angels pluripregiudicato, non proprio in sintonia con il nuovo look malaticcio/rurale che andava per la maggiore tra i rockers nei primi ’90 (ma fu proprio quella temibile immagine da biker a regalargli una particina nel film “Terminator 2” : Ron è quello che dà una botta in testa a Shwarzenegger in un bar al principio del film). Comunque sia andata, i Little Caesar - dopo qualche altra esibizione live con il nuovo drummer Marc Danzeisen (ex Riverdogs) - scomparvero per un po’ dalle scene. Ron Young transitò brevemente nei Four Horsemen, poi venne l’album con i Manic Eden ed i Dirt. Nel 1998, la Slick Music (l’etichetta personale di Earl Slick) pubblicò ‘This time it’s different...!!!’, una collection di unreleased tracks e brani live.

Da un paio d’anni, i Little Caesar si esibiscono saltuariamente nei club di Los Angeles, con il rientrante Tom Morris dietro i tamburi ed il nuovo chitarrista Chris Latham al posto del defezionario Earl Slick. Non pare ci siano album in vista, ma è bello anche soltanto sapere che Ron ed i suoi ragazzi sono di nuovo in giro a suonare. Per la gioia degli Hell’s Angels e non solo.

Poveri Poison. Quante, ma quante gliene hanno dette... L’aggettivo più gentile usato per definirli è stato “froci”, anche se doveva essere evidente a chiunque non avesse gli occhi fasciati di mortadella che Bret e soci consumavano femmine in quantità industriale. Niente di nuovo o di originale in quegli apprezzamenti, comunque. Il glam non è mai stato capito davvero, anche se quello “rinato” negli USA alla metà degli anni ’80 era molto meno provocatorio e “disturbante” della sua forma originale made in UK. Nessun act statunitense ha mai calcato la mano sull’ambiguità di fondo che del glam era l’autentica anima. Così, tutto si è risolto in un modo estremamente vistoso e ricercatamente volgare di porsi all’attenzione del pubblico: la musica non aveva bisogno del rossetto, delle chiome bionde permanentate, del mascara, di quel look stile travestito brasiliano che non trovava alcuna ragion d’essere al di fuori del bisogno di farsi notare. Era solo rock’n’roll, più o meno buono, che di “decadente” non aveva il benché minimo flavour, anche perché nessuno lo ricercava davvero. Non è un caso che a questo genere si dette anche, e con molta più ragione, il nome di party metal: musica allegra da suonare alle feste, la colonna sonora ideale per lo sballo, per fare casino eccetera. ‘Look what the cat dragged in’ e ‘Open up and say ahhh’ furono le più fulgide espressioni di quella stagione, gli invitati che non potevano né dovevano mancare a qualsiasi party selvaggio con cui infiammare la tanto attesa saturday night. Cosa impedisse ai Poison di continuare su questa linea non l’ho mai capito davvero, ma resta il fatto che ad un certo punto quell’identità glam e festaiola cominciò ad andare stretta alla band. Così, prima ci fu ‘Flesh and blood’, singolare esempio di cerchiobottismo dove si cercava di mescolare party metal, street, AOR e blues finendo per non sfondare in nessuna direzione, e poi arrivò questo ‘Native tongue’. In mezzo venne lo split con il supertossico C.C. DeVille, elemento tutt’altro che indispensabile nell’economia della band, ma che per qualche idiota ragione d’immagine Bret e compagni parevano voler tenersi stretto a qualsiasi costo e sicuramente fino al punto di fare più volte la figura degli idioti con la stampa, negando la separazione dal chitarrista come se a lasciare la band fosse stato Eddie Van Halen... A rimpiazzarlo parve che in un primo momento dovesse essere Blues Saraceno, ma poi Bret Michaels decise di arruolare l’enfant prodige Richie Kotzen. Richie - come Saraceno e forse più di lui - era uno dei novelli devoti della musica del diavolo, ed il suo ingresso nei Poison non poteva che significare una netta sterzata della band in direzioni più roots e blueseggianti. Insomma: basta capelli platinati, rossetti e pose ammiccanti, party scatenati e ritornelli per far battere il piedino. La domanda è: avevamo davvero tutti bisogno di un’altra hard rock band “qualsiasi”? Perché, ahinoi, i Poison in versione ripulita e corretta al blues si rivelavano essere nient’altro che questo: una band come le altre. In ‘Native tongue’ non mancavano certo gli spunti, la varietà, le idee, l’energia. Ma troppo spesso Bret pareva muoversi nelle canzoni annaspando come un pesce fuor d’acqua, con quella sua voce che fuori dagli stereotipi glam finiva per rivelarsi debole e anonima, e la competenza di Kotzen non poteva compensare del tutto il fatto che Bobby Dall e Rikki Rocket non erano rampolli del Musician Institute ol Los Angeles ma solo onesti esecutori. I numerosi ospiti ed il tocco raffinato del producer Ritchie Zito potevano rilegare impeccabilmente il tutto, ma non supplire ad una mancanza di fondo: quella di una genuina predisposizione verso l’hard rock sanguigno che purtroppo i Poison non avevano. Non è un caso che i momenti migliori dell’album siano quelli in cui la band scatena tutta la sua verve festaiola, ossia “Body talk”,  “Ain’t that the truth” e “Strike up the band” (quest’ultima, però, ignobilmente fregata agli Steelheart). C’è poi anche da mettere in conto una scaletta tutta sbagliata che concentra inspiegabilmente nella prima parte del disco i pezzi più morbidi: la sequenza “Stand”, “Stay alive” e “Until you suffer some” è quasi micidiale per le palpebre, che alla fine sentono un prepotente desiderio di distendersi sui bulbi oculari... E la colpa di questo aperto invito a cadere tra le braccia di Morfeo non è tanto delle canzoni (“Stand” è un riuscito connubio di acustiche folk, armonie soul e cori gospell; “Stay alive” è un soul blues con un bell’assolo dal sapore settantiano; “Until you suffer some”, una ballad elettrica ben rilegata dall’hammond), quanto del loro nefasto inanellamento proprio a principio dell’album, appena dopo l’iniziale “The scream”, discreta prova di street rock urbano e funkeggiante preceduta da un potente intro percussivo. Anche “Bring it home” si muove lungo queste coordinate, veramente bello l’arrangiamento, ma quando Bret forza la voce per mettersi a fare il duro/scafato-che-conosce-la-vita-delle-strade diventa quasi patetico; il testo politico/sociale, poi, c’entra con questa band come i proverbiali cavoli serviti con il tè delle cinque. Per fortuna arrivano subito “7 days over you” e “Ain’t that the truth” (separate da un breve sfogo solistico di Richie alla chitarra acustica) a rimettere i ragazzi in carreggiata: hard aerosmithiani, festosi, danzerecci, il primo tutto piano boogie e fiati, il secondo più glam: grandi! “Theatre of soul” è una pregevole ballad elettrica, intensa, bluesata e nient’affatto zuccherosa., “Strike up the band” sarebbe fantastica se - come già annotato sopra - non avesse il coro spudoratamente trafugato alla “Down n’dirty” degli Steelheart. “Ride child ride” è un roots rock di maniera, quel genere di rilettura molto commerciale del classico rock yankee in cui eccelleva Jon Bon Jovy, mentre “Blind faith” è il filo più diretto con il passato recente della band, un glam rock anthemico quanto basta. Chiude “Bastard son of a thousand blues”, un blues che trova la propria forza sopratutto nell’atmosfera scanzonata. Bret Michaels è la negazione del cantante blues, eppure qui risulta gradevole e convincente, perché è palese che interpreta la canzone senza prendersi sul serio, senza forzature ridicole. Tra chitarre elettriche, piano ed un armonica sgusciante, il pezzo scorre via piacevolmente, regalandoci anche il miglior assolo di Richie Kotzen: forse non il top dell’album, ma di certo il momento più riuscito.

L’accoglienza che i fans riservarono a ‘Native tongue’ non fu proprio entusiastica, e nel 1993, nel pieno dell’uragano grunge, i Poison sembravano dover fare la stessa fine che era toccata ai Motley Crüe: scomparire tra i fischi e/o il disinteresse di chi solo qualche mese prima li idolatrava. Una vigorosa spinta sulla strada del disastro se la dettero però da soli quando Richie Kotzen, prima di un concerto, si mise a fare apprezzamenti poco eleganti sulla ex-ragazza di Rikki Rocket e sua attuale compagna di letto (in seguito - addirittura - moglie), informando con dovizia di particolari il resto della band (Rikki compreso) delle sue straordinarie performances amatorie. La conferenza finì con il drummer che cercava di tappare a pugni gli occhi al chitarrista, l’immediato licenziamento di Richie e la sostanziale fine di una band che proprio il transfuga C.C. DeVille mantiene ancor’oggi viva con dischi inconsistenti e sciapi come una gazzosa sfiatata.

Ho già più volte sottolineato il carattere isterico e incoerente della proposta in ambito ristampe, che va avanti senza il minimo filo logico all’interno delle stesse etichette che se ne occupano in prevalenza. Perché l’inglese Cherry Red ha deciso di ristampare soltanto il secondo album dei Tora Tora? Cos’aveva il primo che non andava? L’etichetta originale era sempre la stessa, si poteva impacchettare tutto in un solo CD, per non parlare poi del terzo album registrato e mai pubblicato... Ma dato che è veramente tempo perso quello impiegato nel tentativo di decifrare le contorsioni mentali di chi comanda la barca delle labels discografiche, glissiamo via e occupiamoci della musica dei Tora Tora.

Il primo album, la band di Memphis che prendeva il proprio monicker dalla parola d’ordine che i giapponesi scelsero per dare il via al bombardamento di Pearl Harbour (era anche il titolo di un film di guerra degli anni ’50), lo pubblicò nel 1989, il titolo era un coerente ‘Surprise attack’ e collocava i Tora Tora nella scia dello street metal americano che in quegli anni faceva furore. Echi di Guns N’Roses, Skid Row e rock sudista risuonavano attraverso un telaio rude, a tratti ispido ed a volte sfacciatamente boogie sulla scia dei primi ZZ Top. Un grande disco di hard rock americano senza compromessi commerciali, ma con questo ‘Wild America’ i Tora Tora seppero fare di meglio, guardando più lontano, variando l’approccio, distillando un suono meno violento, arricchito di Hammond, archi e sezioni fiati, più attento alla melodia e sfoderando sopratutto un songwriting autorevole e illuminato (con qualche aiuto dal grande Taylor Rhodes). Prodotto da Arthur Payson, ‘Wild America’ era un mosaico di suggestioni che andavano da una sardonica rilettura  del rock’n’roll più bluesato via-Van Halen già sperimentata dai Bulletboys ( “Amnesia”, con quel suo riff cadenzato ed il basso in evidenza; “Shattered”, veloce e funkeggiante; “Cold fever”, dove si avverte pure qualcosa dei Little Caesar), allo street essenziale, tirato, sleaze senza rozzezze (la title track, dal coro quasi anthemico; la conclusiva “City of kings”). “Dead man’s hand”  sconfina in territorio Aerosmith/Cinderella/Blackeyed Susan: fiati, piano honky-tonk, scanzonata, grandissima... “As time goes by” è un piccolo capolavoro: sospesa tra la cowboy song ed il folk zeppeliniano, morbidamente avvolta dall’hammond, un refrain fascinoso, struggente ed insinuante nello stesso tempo che non vi uscirà più dalla testa... “Lay your money down” svaria tra Aerosmith e Tesla, genuinamente root nella sua alternanza di acustico ed elettrico su un ritornello solido e rude come cuoio. “Dirty secret” è un’altra perla che sa di rhythm’n’blues energizzato, condita da un piccante assolo tutto slide, “Faith healer” una power ballad impetuosa, con l’elettrica che cavalca e s’impenna sulle acustiche e l’hammond, con un’atmosfera settantiana ma anche echi di Tesla/ GN’R/ Beggars & Thieves. L’ultimo masterpiece è “Nowhere to go but down”: intro di dodici corde, un giro di chitarra avvolgente e poi il folk, la cowboy song, i Tesla, gli Aerosmith e addirittura i Foreigner vengono impastati dalla band per una power ballad assolutamente superba. Menzione d’obbligo per il singer Anthony Corder, una specie di Phil Lewis più pulito e melodico.

Il primo disco entrò nella top 50 di Billboard, ma questo ‘Wild America’ uscì troppo tardi, nel ’92: a buon intenditor... I Tora Tora riuscirono comunque a registrare un altro album nel 1994 che doveva intitolarsi ‘Revolution day’, ma non a pubblicarlo. Forse la Cherry Red ci sta già facendo un pensiero? Speriamo bene.

In questa ristampa favolosamente rimasterizzata c’è una bonus track, la versione Radio Mix di “Wild America”, e (nel booklet, ovviamente) un lungo pezzo scritto dal giornalista Jerry Ewing prelevato da Classic Rock Magazine, in cui apprendiamo che, mentre Corder ed il bassista Patrick Francis hanno una nuova band, gli Homemade Flavour, il chitarrista Keith Douglas ed il drummer John Paterson hanno appeso gli strumenti al chiodo: il primo lavora nella fabbrica di colla di famiglia, il secondo ha messo su un negozio che vende articoli per caccia e pesca... Non so a voi che effetto fa, ma a me questi dettagli biografici hanno messo addosso una tristezza da non dire. Non era giusto che finisse così, cazzo...